C’est la question « déplacée » que mon ami Marc Vérat a posée son amie Intelligence Artificielle, qui lui a immédiatement fourni en retour un rapport beaucoup plus pertinent et moins bidon sans doute ,  que celui  qu’aurait pu produire telle agence-conseil  ou tel cabinet d’audit pour le surfacturer au Ministére.

Le premier reproche à faire à cet art contemporain est d’être payé par l’ensemble des contribuable, alors que cela n’intéresse qu’une infime parte d’entre eux : cette «  élite » dont il serait urgent d’analyser le profil psycho-social.

Le deuxième reproche, si je puis me permettre,  est que cet art sans art est le produit de la collusion effarante entre la haute bureaucratie d’essence gauchière et la haute finance plutôt droitière, entre la spéculation intellectuelle de babord  et la spéculation financière de tribord en principe .

La question posée à l’OA était celle-ci :

Pour quelles raisons l’état français a-t-il choisi de subventionner, donc d’aider avec de l’argent public, quasi exclusivement l’art contemporain alors que celui-ci reste incompris ou même rejeté, par la majorité des citoyens. Peut-on évoquer ici un manque de démocratie ou une forme de dictature culturelle ?

La réponse de l’IA est celle-ci :

Votre question touche à un débat ancien et très vif en France. Il faut distinguer deux questions :

1. Pourquoi l’État soutient-il autant l’art contemporain ?
2. Ce choix est-il antidémocratique ou relève-t-il d’une « dictature culturelle » ?

Pourquoi ce soutien à l’art contemporain ?

La justification officielle de l’État est que le marché soutient déjà relativement bien les formes artistiques consacrées ou populaires, alors que la création contemporaine, souvent expérimentale, aurait plus de difficulté à survivre sans aide publique. Depuis les années 1980, la politique culturelle française vise explicitement à soutenir les artistes vivants, à enrichir les collections publiques, à diffuser la création sur tout le territoire et à préserver une diversité culturelle.

Les FRAC (Fonds régionaux d’art contemporain), créés en 1982, ont ainsi pour mission de collectionner des œuvres d’artistes vivants, de les faire circuler dans les régions et de sensibiliser le public à la création actuelle.

Derrière cette politique se trouvent plusieurs idées :

• soutenir l’innovation artistique ;
• constituer un patrimoine pour l’avenir ;
• éviter que seuls les critères commerciaux déterminent ce qui est créé ;
• favoriser l’accès à la culture sur l’ensemble du territoire.

L’art contemporain est-il réellement rejeté par la majorité ?

Il existe effectivement une défiance importante d’une partie du public envers certaines œuvres contemporaines. Ce constat est assez largement reconnu, y compris par les défenseurs de ces politiques.

Cependant, il faut être prudent : « l’art contemporain » recouvre des réalités extrêmement diverses. Beaucoup de photographes, vidéastes, plasticiens ou artistes de rue contemporains rencontrent un public important. Le rejet vise souvent certaines formes conceptuelles ou institutionnelles plutôt que l’ensemble de la création contemporaine.

Peut-on parler d’un manque de démocratie ?

C’est là que commence l’interprétation politique.

Les critiques estiment que :

• les décisions d’acquisition sont prises par des experts, conservateurs, commissaires d’exposition et professionnels peu représentatifs du grand public ;
• le contribuable finance des œuvres qu’il n’aurait peut-être jamais choisies ;
• une petite élite culturelle définit ce qui mérite reconnaissance et financement.

Cette critique est ancienne et largement documentée. Certains auteurs parlent d’un « art officiel » ou d’une technocratie culturelle.

À l’inverse, les défenseurs de ce système répondent qu’une démocratie ne consiste pas à soumettre chaque décision culturelle à un vote majoritaire. Selon eux, si l’on ne finançait que ce qui plaît déjà à la majorité, de nombreuses formes artistiques aujourd’hui reconnues n’auraient jamais émergé. Ils soulignent aussi que les choix sont encadrés par des institutions publiques, des élus et des procédures administratives.

Peut-on parler de « dictature culturelle » ?

D’un point de vue strict, le terme est excessif.

Une dictature culturelle supposerait :

• l’interdiction des autres formes d’art ;
• la censure des goûts divergents ;
• l’impossibilité de critiquer la politique culturelle.

Or en France, il existe des financements pour de nombreux domaines artistiques (patrimoine, théâtre, musique, cinéma, littérature, musées, restauration des monuments, etc.), et la critique de l’art contemporain est libre et fréquente.

En revanche, on peut raisonnablement soutenir qu’il existe une tension démocratique : une partie des citoyens estime que les institutions culturelles privilégient des critères esthétiques définis par des experts plutôt que par le public. C’est un débat légitime sur la place respective de l’expertise, du marché, des élus et des citoyens dans les choix culturels.

En résumé, qualifier cette politique de « dictature culturelle » relève davantage du jugement polémique que de l’analyse. En revanche, parler d’un débat sur la légitimité démocratique des politiques de soutien à l’art contemporain est tout à fait pertinent. C’est précisément l’une des principales critiques adressées au modèle culturel français depuis plusieurs décennies.

L’État français ne subventionne pas exclusivement l’art contemporain,

Bien que ce secteur bénéficie de dispositifs publics visibles et souvent débattus, la majorité du budget public de la culture finance en réalité la conservation du patrimoine, le spectacle vivant, les bibliothèques, le cinéma et l’éducation artistique. 

Ce débat touche au cœur du modèle culturel français et oppose deux visions de l’intervention publique : le soutien à la recherche artistique et la légitimité démocratique de la dépense publique.

1. La réalité des chiffres : une subvention loin d’être exclusive

Contrairement à une idée répandue, les arts plastiques et l’art contemporain ne représentent qu’une fraction des dépenses culturelles de l’État et des collectivités.

• La priorité donnée au patrimoine et au spectacle vivant. Le budget du Ministère de la Culture (environ 4,4 milliards d’euros hors audiovisuel public) est majoritairement absorbé par l’entretien des monuments historiques, les grands musées nationaux (comme le Louvre), le théâtre, la musique et la danse. [1, 2]
• Le rôle majeur des collectivités territoriales. Les communes, départements et régions financent plus de la moitié de la culture en France (environ 10,7 milliards d’euros), principalement pour faire vivre les bibliothèques, les conservatoires de musique et les festivals locaux. [1, 2]
• La place spécifique de l’art contemporain. Le soutien aux arts visuels passe par des structures dédiées comme les Fonds régionaux d’art contemporain (FRAC), le Centre national des arts plastiques (CNAP) et la commande publique (comme le « 1 % artistique » lors de la construction de bâtiments publics). [1, 2]

2. Pourquoi l’État finance-t-il l’art contemporain ?

La politique culturelle française repose sur des fondements historiques établis dès 1959 par André Malraux, puis élargis par Jack Lang dans les années 1980.

• Pallier les défaillances du marché. L’art contemporain expérimental, conceptuel ou monumental est rarement rentable commercialement à court terme. L’État considère que son rôle est de soutenir la recherche et la prise de risque artistique, tout comme il finance la recherche fondamentale en sciences.
• Éviter le traumatisme historique du « rejet des avant-gardes ». L’institution culturelle française porte le souvenir d’avoir ignoré ou rejeté les impressionnistes, Van Gogh ou Rodin en leur temps. Financer la création actuelle vise à ne pas passer à côté des grands artistes de demain.
• L’aménagement et la décentralisation du territoire. À travers les FRAC et les centres d’art en région, l’objectif affiché est de permettre aux habitants de toute la France d’accéder à des œuvres sans avoir à se rendre à Paris.
• Le rayonnement international (« soft power »). Soutenir une scène artistique vivante permet à la France de maintenir son statut de place forte culturelle face à Londres, New York ou Berlin. [1]

3. Peut-on parler de « manque de démocratie » ou de « dictature culturelle » ?

Cette question divise profondément les sociologues, les artistes, les responsables politiques et les citoyens.

Les arguments dénonçant un déficit démocratique

• L’entre-soi d’une élite institutionnelle. Des critiques (comme le sociologue Marc Fumaroli avec L’État culturel ou la philosophe Aude de Kerros) estiment qu’un petit cercle d’experts, de conservateurs et de hauts fonctionnaires décide seul de ce qui est de l’art, en totale déconnexion avec les goûts du grand public.
• L’imposition financière et visuelle. Le contribuable finance par l’impôt des œuvres qu’il n’a pas choisies. Lorsqu’il s’agit de commandes installées dans l’espace public (places, ronds-points, monuments), les citoyens sont confrontés quotidiennement à des œuvres qu’ils jugent parfois incompréhensibles ou inesthétiques. [1, 2]
• La dérive idéologique. Certains opposants politiques et essayistes reprochent aux commissions d’attribution de favoriser des projets militants ou conformes aux valeurs d’une certaine classe sociale, au détriment d’un art plus figuratif, traditionnel ou populaire. [1, 2]

Les arguments réfutant l’idée d’une « dictature culturelle »

• L’absence de censure et d’art officiel unique. Contrairement aux régimes autoritaires qui interdisent les formes d’expression dissidentes et imposent une esthétique unique (comme le réalisme socialiste), l’État français n’interdit aucune pratique. L’art figuratif, classique ou traditionnel existe librement et vit principalement grâce au marché privé, aux galeries et aux collectionneurs.
• La liberté de création garantie par la loi. La loi de 2016 relative à la liberté de création protège l’indépendance des artistes vis-à-vis du pouvoir politique. Les jurys qui attribuent les subventions sont composés de professionnels du secteur et tournent régulièrement pour éviter qu’un ministre ou un élu n’impose ses goûts personnels.
• La démocratisation culturelle comme objectif. Pour les défenseurs du modèle public, la démocratie ne consiste pas à ne financer que ce qui plaît déjà à la majorité (ce que font déjà la télévision commerciale ou les industries du divertissement). Elle consiste à offrir à chacun la possibilité de découvrir des formes nouvelles qui bousculent les habitudes, accompagnées d’un travail de médiation dans les écoles et les musées. [1, 2, 3, 4]

En synthèse :

Plutôt que d’une « dictature culturelle » — terme qui implique une coercition et une interdiction des alternatives —, les observateurs évoquent généralement une tension entre deux légitimités : la légitimité démocratique (l’argent public doit refléter les attentes des citoyens) et la légitimité artistique (l’art a besoin d’indépendance et de subventions pour innover sans se soumettre aux lois de l’audimat ou du marché). [1]